Reseña y Crítica: Tokio Blues

Reseña y Crítica: Tokio Blues

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La novela esencial de Haruki Murakami nos habla de la vida, muerte y el lugar que buscamos entre estos dos polos.

"Una oscuridad tan profunda que, tras apagar la linterna de bolsillo, no me veía los pies siquiera. Y sobre el estanque de la esclusa volaban cientos de luciérnagas. Los destellos de luz se reflejaban en la superficie del agua como chispas ardientes. Cerré los ojos y me sumergí un momento en el recuerdo".

- Haruki Murakami
  • Título:  Tokio Blues
  • Escritor: Haruki Murakami
  • Año de publicación: 1987
  • Páginas: 384
  • Personajes:  Toru Watanabe, Naoko, Midori, Hizuki, Nagasawa y Reiko. 
  • Editorial: Maxi Tusquets
  • Género: Novela Romántica 
4/5

¿De que trata ‘Tokio Blues’?

«Tokio Blues» de Haruki Murakami es una novela que nos narra un fragmento de la vida de Toru Watanabe, un ejecutivo japones de 37 años de edad; mientras este aterriza en un aeropuerto europeo logra escuchar a la distancia una vieja canción de los Beatles que le hace retroceder a su juventud: el turbulento Tokio de los sesenta se abre ante nosotros. Presa de la melancolía y el desasosiego, Toru recuerda entonces la inestable relación que mantuvo con la misteriosa Naoko, novia de su mejor y único amigo de la adolescencia, Kizuki. El suicidio de éste último distanció a Toru y a Naoko durante un año, hasta su inevitable reencuentro, sin embargo, la aparición de otra mujer en la vida de Toru le lleva a experimentar una especie de alētheia (desocultamiento del ser/búsqueda de la verdad para los griegos) allí donde todo debería cobrar sentido: el sexo, el amor, la vida y la muerte.

Mi opinión: 

La obra literaria que puso el nombre de Murakami en el panorama mundial de novelistas contemporáneos, es sin duda una mezcla extraordinaria del genero novela romántica con trasfondos psicológicos, sociales e incluso históricos. No niego que al comenzar el libro creí que me encontraba ante el cliché de una novela juvenil que nos habla acerca de un triangulo amoroso que ya hemos visto en diferentes medios narrativos: libros, películas y series; pero afortunadamente mientras recorría sus paginas poco a poco el autor japones me demostraba lo equivocado que estaba en mi primer juicio. 
 
La novela comienza narrándonos el primer contacto que tiene nuestro protagonista, Toru Watanabe, con la muerte: el suicidio de su amigo Kizuki. Este hecho irreversible no solo afectará el psique de Toru, sino que servirá de puente en la relación que comienza a construir a lo largo de la novela con la siempre misteriosa Naoko, ex novia del difunto Kizuki. Es aquí donde se abre el telón narrativo y encontramos el primer tema a tratar: las relaciones surgidas desde la muerte (o cómo la perdida guía nuestro devenir).
 
Tratando de madurar la idea de la finitud humana, esta va permeando todas sus relaciones, convirtiéndolo poco a poco en un joven solitario que disfruta más  la compañía de sus libros a la de las personas; en consecuencia,  una serie de hechos pondrán en jaque la curiosa relación que se forma entre Toru y Naoko. Aquí es donde entra el personaje de Midori, la cual representa la vida dentro de este escenario romántico y por ende el contraste total de Naoko. Es así que el circulo queda completo (o al menos eso me hizo pensar Murakami) y ahora nuestro protagonista se encuentra debatiendo entre ambos polos, que no solo representan la vida y la muerte, sino que, muy en el fondo, identifico como la búsqueda de ese frágil equilibrio entre los sueños de la juventud y la necesidad de encontrar un lugar en el mundo sin que el pasado nos arrastre consigo hacía el abismo.
 
Contarles más de la narrativa seria una falta de respeto, ya que hay tantas cosas y elementos que valen la pena conocerse mediante la lectura y no una reseña. En vez de eso prefiero profundizar un poco en un par de personajes secundarios que brillan por lo que representan; Ryoko, pieza clave en la resolución del conflicto, es aquel puente, una especie de Virgilio bien vivido que al conocer ambos polos de cerca, servirá de guía rumbo a la resolución del conflicto ya señalado. Y por otro lado Nagasawa, aquel joven que representa la euforia académica que se vivía en aquellos años, recordando con fidelidad aquel escenario en el que reinaban las revueltas estudiantiles y la colisión entre extremos políticos.
 
Finalmente solo me gustaría agregar la importancia del abordaje al tema del suicidio, ya que en Japón este es un tabú tremendo: el país nipón tiene una tasa de suicidios demasiado alta, sobre todo si se tiene en cuenta que casi un 60% de los suicidios son de jóvenes menores de 20 años. He aquí la importancia social de la novela que junto a todo lo demás que escribo en esta reseña, logran que «Norwegian Wood» se encuentre entre mis novelas favoritas contemporáneas al hablarnos de la eterna búsqueda existencial y enriquecerle con trasfondos muy bien elaborados. 

Haruki Murakami

Considerado por muchos como el escritor japones más importante de nuestros tiempos; Murakami nació el año de 1949 en la ciudad de Kyoto, Japón. Inspirado por la literatura norteamericana de los años 60's-80's comenzó a forjarse en la literatura al traducir obras del inglés al japones. "Tokio Blues" (1987) es la novela que lo hizo despegar y ser aclamado a nivel mundial como uno de los mejores novelistas contemporáneos. Desde entonces no ha dejado de entregar obras aclamadas a nivel mundial como lo son: "Sputnik, mi amor" (1999), "After Dark" (2004) o "1Q84" (2009).

Datos curiosos del libro: 

La novela es popularmente conocida también bajo el seudónimo de Norwegian Wood, canción de The Beatles compuesta por John Lennon y Paul McCartney. En la novela aparecen diversas alusiones a dicha canción que es la favorita del personaje Naoko. 

Uno de los libros favoritos de Toru y su amigo Nagasawa es El gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald. También durante un fragmento de la novela, Toru se encuentra hojeando Bajo las ruedas, el segundo libro del autor alemán Hermann Hesse.

En 2010 se estrenó bajo la dirección de Trần Anh Hùng la adaptación de la novela. Los protagonistas son Ken’ichi Matsuyama interpretando a Toru Watanabe y Rinko Kikuchi en el papel de Naoko; la banda sonora de esta adaptación está compuesto por Jonny Greenwood, miembro de la banda Radiohead.

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Reseña y Crítica: Tokio Blues

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La novela esencial de Haruki Murakami nos habla de la vida, muerte y el lugar que buscamos entre estos dos polos.

“Esconder las cosas importantes no tiene sentido y tampoco lo tiene retrasar las inevitables. Los sentimientos no son controlables, por mucho que algunos digan que se trata de cuestión de voluntad.”

.-Elísabet Benavent.
  • Título:  En los zapatos de Valeria
  • Escritor: Elísabet Benavent
  • Año de publicación: 2020
  • Páginas: 471
  • Personajes:  Valeria, Lola, Carmen, Nerea, Victor y Adrián. 
  • Editorial: SUMA de letras
  • Género: Chick Lit
4.5/5

¿De que trata ‘En los zapatos de Valeria’?

«En los zapatos de Valeria» de Elísabet Benavent es un chick lit, que nos narra la historia de Valeria una escritora un poco frustrada, con un matrimonio que cada día va peor, lo mejor que Valeria tiene es a sus tres amigas Lola, Carmen y Nerea, todas inmersas en un torbellino de emociones sobre el amor, la amistad, el éxito y el futuro. Una noche Valeria conoce a Víctor quién cambiará su vida completamente y la hará hacer cosas que jamás imaginó.

Mi opinión: 

¡Me encantó el libro!, te envuelve en un sin fin de emociones, logra conectarte con todos los personajes, a pesar de cada uno tiene personalidades diferentes empiezas a cuestionarte ¿qué haría si estuviera ne su lugar?. La amistad que hay entre las cuatro amigas es genial todas con historias llenas de risas, complicidad y mucho humor.

Valeria es una joven escritora en plena crisis creativa y emocional y para colmo, la relación con su marido está pasando por un gran bache, Lola es la amiga a la que todas recurren para sus cuestiones sexuales, Nerea (Teresa Riott) es la definición de perfección y Carmen (Paula Malia) es muy insegura y está enamorada de su compañero de trabajo. Un día decide ir de fiesta con Lola y conoce a Víctor quien le hace perder completamente la cabeza. Por otra parte tenemos a Adrian , es el esposo de valeria un fotógrafo de conciertos, demasiado inocente y buena persona, por últim a Víctor es el tipo perfecto, pero también a alguien a quien le deberíamos de tener cuidado (cuando lo leas me comprenderás). 

A diferencia de otros libro de Elísabet, en esta ocasión la narración erótica (común en el género Chick Lit) es mucho más leve que en otras de sus otras novelas, pues aquí sólo nos describe el jugueteo entre Valeria y Víctor. 

El personaje que más me desesperó fue Valeria ¡por favor haz algo o no hagas nada pero ya decídete! 🙄, pero mi personaje favorito fue Lola la más sincera, original y las más abierta de todas. 

Es una novela muy entretenida, quedarás completamente envuelto en la trama y cuando menos te des cuenta ya lo habrás terminado.

Elísabet Benavent

Mas conocida en sus redes sociales como Betacoqueta (Gandía, Valencia, 1984) es una escritora española de novelas de comedia romántica. Elísabet Benavent es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Cardenal Herrera CEU de Valencia, tras esa licenciatura se mudó a Madrid donde cursó el máster sobre Comunicación y Arte en la Universidad Complutense de Madrid, lugar donde actualmente reside la escritora.​

Datos curiosos del libro: 

Elísabet lo auto publicó a través de Amazon, lo han leído más de medio millón de personas en más de 15 países en Europa y Latino América. Próximamente llegará a Netflix a través de una serie de televisión. 

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Reseña y Crítica: Las cosas que perdimos en el fuego

Reseña y Crítica: Las cosas que perdimos en el fuego

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A través de doce relatos escalofriantes, Mariana Enríquez logra subvertir el género del terror para poner en evidencia el horror real que se vive en las calles de Argentina.

“La falta de comida era buena: nos habíamos prometido comer lo menos posible. Queríamos ser livianas y pálidas como chicas muertas. No queremos dejar huellas en la nieve, decíamos, aunque en nuestra ciudad jamás nevaba.”

- Mariana Enríquez.
  • Título:  Las cosas que perdimos en el fuego
  • Escritor: Mariana Enríquez
  • Año de publicación: 2016
  • Páginas: 208
  • Personajes:  Varios
  • Editorial: ANAGRAMA
  • Género: Cuento, terror y ficción
4/5

¿De que trata ‘Las cosas que perdimos en el fuego’?

«Las cosas que perdimos en el fuego» de Mariana Enríquez, es un compilado de 12 relatos llenos de un terror muy peculiar en los que se exploran temáticas sociales de gran relevancia como lo son: la desigualdad y violencia de género, la desigualdad entre clases sociales, la depresión, la adicción a las drogas, entre muchas otras. El chico sucio, La hostería, Los años intoxicados, La casa de Adela, Pablito clavó un clavito: una evocación de petiso orejudo, Tela de araña, Fin de curso, Nada de carne sobre nosotras, El patio del vecino, Bajo el agua negra, Verde rojo anaranjado Las cosas que perdimos en el fuego son el nombre de las pequeñas historias que pondrán en evidencia la podredumbre socio-política que se vive en Argentina. 

Mi opinión: 

Un terror muy distinto al que estamos acostumbrados. Creo que la verdadera genialidad de la antología recae en el subvertir un género como lo es el terror y darle un gran giro, yendo de lo ficcional a lo real en cada cambio de página; cada relato se siente pesado e impregnado de un horror que nos es muy familiar pero que a la vez no se nos muestra muy a menudo (y tan explícito) a manera de narrativa: el horror de nuestro contexto político y social.
 

Este terror tan peculiar se encuentra libre, desatado y habitando las calles argentinas, a sus personas, el lenguaje que les constituye y sobretodo permeando a las protagonistas de cada relato. Esto último es también una cuestión que llamó mi atención: las protagonistas son mujeres en su gran mayoría, relegando de alguna manera a los hombres un papel muy secundario que pocas veces alcanza un reflector y de hacerlo se les tiene con muy poca valoración dentro de la narrativa. Esto ultimo es sin duda parte de la posición política y la denuncia que hace la obra que nos presenta Mariana Enríquez; las mujeres inmersas dentro de la podredumbre social, son ellas las que viven más de cerca estos horrores y por lo tanto son las que se encuentran inmersas en el foco de atención en todo momento.

Para hablarles un poco del contenido sin tener que abordar cada uno de los doce relatos, tomaré para esta reseña el primer y último cuento. El chico sucio es en definitiva lo que considero un «inicio fuerte», esta historia será la encargada de encaminarnos y darnos el tono que reinara en la gran mayoría de los relatos; este nos habla de una mujer clase mediera de Buenos Aires y su contacto con un chico y su madre que viven en la pobreza extrema. Como el relato lo dice, se pone en evidencia lo «sucio» que no se refiere a la condición del pequeño que sale en la historia, sino de todas aquellas horripilantes condiciones en las que vive y que en el trasfondo guían la narrativa hacía algo que desde el comienzo sabemos, no terminará bien. Por otro lado, tenemos el telón final con el cuento homónimo Las cosas que perdimos en el fuego, la única historia que se aleja un poco del horripilante realismo que impera en la obra y nos presenta en su lugar un relato distópico con perspectiva de genero; en este las mujeres tomarán una serie de decisiones drásticas, pero necesarias,  para así llegar a una libertad tan anhelada. Cerrando de esta manera la antología con lo que en lo personal fue mi cuento favorito y creyendo que si se trabajara mas a fondo sobre esta historia en particular, podría salir incluso una novela con una calidad envidiable y mur acorde a nuestro contexto histórico

Concluyendo mi reseña y opinión, puedo decir que me siento sumamente satisfecho del ver y saber que dentro de toda esta amalgama de problemas socio políticos posmodernos que nos aquejan, existan autoras que plasmen su sentir a través de la literatura. Mariana Enríquez se convierte entonces no solo en un pilar de la literatura argentina y latinoamericana sino que sublima las demandas de toda una generación al volverlas una genuina obra de arte

Mariana Enríquez

Nacida en Buenos Aires, Argentina el año de 1973, Mariana Enríquez es una periodista y escritora argentina, parte del grupo de escritores conocidos como la «nueva narrativa argentina».​ Sus cuentos se enmarcan en el género del terror y se han publicado en revistas internacionales como Granta, Electric Literature, Asymptote, McSweeney's, Virginia Quarterly Review y The New Yorker. Galardonada con un gran número de premios y reconocimientos, actualmente es reconocida como una de las escritoras más importantes de Argentina y una de las más notables en toda América Latina.

Datos curiosos del libro: 

El libro ganó a principios de 2017 el premio Premio Ciutat de Barcelona en la categoría literatura castellana. En su decisión, el jurado destacó que el libro «combina en sus relatos naturalidad de estilo, sin patetismo melodramático y con dosis de humor negro y ácido, para minar la cotidianidad con subsuelos inquietantes». También obtuvo el tercer lugar en el Premio Nacional de Letras de Argentina.
 
La mayor parte de los relatos se llevan a cabo en Buenos Aires, ciudad donde la autora nace y palpa de cerca todas esas problemáticas sociales. 

 

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Las mejores animaciones de Shin’ichirō Watanabe

Las mejores animaciones de Shin’ichirō Watanabe

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Un día como hoy pero de 1965 nació el aclamado animador Shin'ichirō Watanabe, conoce aquí lo mejor de su obra. See you soon space cowboy...

Shin’ichirō Watanabe es un aclamado director japonés de anime nacido el año de 1965 en Kioto, Japón. Activo en el mundo del entretenimiento desde los años 90´s, Watanabe es considerado por muchos como un director de culto dentro de la animación japonesa al escribir, dirigir y producir obras que han alcanzado un reconocimiento mundial como lo son Cowboy Bebop y Samurai Champloo. En sus obras se destaca la mezcla de muchísimos géneros cinematográficos y una rica diversidad cultural; yendo desde el «western», «noir» y «sci fi», hasta el combinar la cultura del hip hop de los 90’s con el periodo Edo (época de los samurái y rōnin). Siendo hoy su cumpleaños número 56, te presentamos sus mejores obras:

Manglobe

Samurai Champloo

  • Director: Shin’ichirō Watanabe
  • Año: 2004
  • Reparto: Kazuya Nakai, Ginpei Sato y Ayako Kawasumi
Una historia de amistad repleta de samurais y hip hop; una mezcla bastante extraña pero que sorpresivamente funciona muy bien, ambientada durante el período Edo (1603-1868). En el medio de este anime tenemos a nuestros tres protagonistas, los cuales serán unidos por el mutuo conflicto que sostienen con el hijo de un «Daikan» (magistrado japones): Fuu, una chica de 15 años que trabaja en una casa de té y sueña con conocer el mundo viviendo toda clase de aventuras, Mugen, un rōnin (samurái errante) bastante torpe pero con una habilidad peculiar para el combate y Jin, un samurái bastante recto y con un sentido del honor admirable. Al finalizar este problema Fuu les pedirá al par que le ayuden a encontrar al «samurái que huele a girasoles».
 
Así, la historia narra los viajes  de la triada llevándonos entre los rincones de Japón en los que enfrentarán sus muchas veces cruel pasado, vivirán como nunca el presente  y llegarán a su inevitable futuro donde los tres conocerán a fondo la palabra «amistad». Una obra que comienza de manera divertida y sencilla, pero que lo largo de sus 26 episodios se llenará de complejos matices que la hacen una de las mejores obras que tiene que ofrecernos Watanabe.
Sunrise / BONES / Sony Pictures Entertainment Japan

Cowboy Bebop 

  • Director: Shin’ichirō Watanabe
  • Año: 1998 (anime) / 2001 (película) 
  • Reparto: Kōichi Yamadera, Megumi Hayashibara, Unshō Ishizuka y Aoi Tada 

Sin duda alguna el anime que puso el nombre de Watanabe en el mapa, Cowboy Bebop, es conocido mundialmente por ser la primer animación en combinar elementos culturales de occidente y oriente. Haciendo honor a su nombre, la serie animada es un «western» que de manera muy fluida integra en su narrativa los elementos propios del cine «noir» y «sci fi»; el «bebop» no es otra cosa  que un homenaje al movimiento musical moderno del jazz de los 40’s, el cual impregnará todos sus capítulos dando paso a uno de los soundtracks más memorables en la historia del anime.

Compuesto por 26 capítulos y una película que se sitúa entre los episodios 22 y 23; la historia trata acerca de las aventuras, desventuras y tragedias de un grupo de cazarrecompensas que viajan a bordo del Bebop, su nave espacial. Spike Spiegel, Jet Black, Faye Valentine, Ed y su mascota Ein, recorrerán el universo del 2071 mientras que sus historias personales exploraran temas filosóficos como la corriente existencialista y su vacío, la soledad y las consecuencias que trae consigo cargar con el pasado. Todo este le convierte en la piedra angular de su obra y uno de los clásicos de la animación que no puedes dejar de ver.

Alcon Entertainment / CygamesPictures

Blade Runner Blackout 2022 

  • Director: Shin’ichirō Watanabe
  • Año: 2017
  • Reparto: Jovan Jackson, Luci Christian, Bryson Bauguss y Edward James Olmos

Complementando la afamada saga Blade Runner que inició Ridley Scott en 1982, Watanabe nos trae en esta ocasión un cortometraje animado que conectará a la anterior con su sucesora dirigida por Denis Villaneuve, Blade Runner 2049. En el año 2022 dos replicantes Nexus-8, Iggy Cygnus y Trixie, provocan, con la ayuda del personaje de Ren, una explosión nuclear con PEM que causa un corte electrónico global, el «apagón», el cual carga consigo varias implicaciones sociales, económicas y tecnológicas mundiales que nos pondrán a reflexionar acerca de nuestro propio contexto.

Una búsqueda por la libertad y el significado de lo que significa ser humano, que bien complementa y nos encamina a todos los hechos que se llevarán a cabo en la última cinta de la franquicia. Una clase de guion y animación CGI por parte de Shin’ichirō.

Warner Home Video

The Animatrix (Kid’s Story / A Detective Story)

  • Director: Shin’ichirō Watanabe
  • Año: 2003
  • Reparto: Clayton Watson, Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, James Arnold Taylor y Terrence ‘T.C.’ Carson

El proyecto The Animatrix es una antología compuesta por nueve cortos animados que se dan a la tarea el complementar el universo de la trilogía de Matrix. Dentro de estos cortometrajes animados resaltan algunos por su profunidadad narrativa y excelsa animación; dos de los anteriores son dirigidos por Watanabe: Kid’s Story y A Detective Story.

Kid’s Story nos narra la historia del chico sin nombre que aparece en Matrix Reloaded y Matrix Revolutions en las que forma parte de la tripulación de Morfeo y juega un importante papel en la batalla de Zion, respectivamente.  Un día, en plena clase, el chico recibe una llamada al móvil y la voz de Neo lo alerta: han descubierto que lo sabe todo y van por él. El muchacho se verá  en una situación límite y deberá tomar una decisión extrema, haciendo de esta manera un homenaje a la decisión que toma Neo con las píldoras en la primer entrega. Una animación bastante original que sin duda enriquece la trama de la trilogía. 

A Detective Story por otro lado es un cortometraje animado de género «noir» que nos narra la historia de un detective chapado a la antigua. Este recibe un día de manera anónima la tarea de encontrar a la criminal bajo el nombre de Trinity. Un excelente corto lleno de misterio y acción que profundiza en el personaje interpretado por Carrie-Anne Moss.

MAPPA

Zankyō no Terror / Terror in Tokyo

  • Director: Shin’ichirō Watanabe
  • Año: 2014
  • Reparto: Kaito Ishikawa, Sōma Saitō, Atsumi Tanezaki, Shunsuke Sakuya y Megumi Han

Un día como cualquier otro, Tokio se ve sacudido por un ataque terrorista que hace temblar la ciudad hasta sus cimientos. Los autores intelectuales del atentado son un par de jóvenes; «Nine» y «Twelve», los cuales serán  conocidos por la sociedad japonesa bajo el seudónimo de «Sphynx», estos tomarán  a la ciudad como si de un tablero de juego se tratase e intentaran «despertar» a la ciudad haciendo uso del terror.  Un excelente anime de 11 capítulos (bastante digerible) que combina de manera excelente los géneros del drama, terror y thriller psicológico. La fuerza de esta animación de Watanabe brilla en el desarrollo del psique de sus personajes y la diversa banda sonora compuesta por Yōko Kanno.

Estas son a mi parecer las mejores animaciones que Watanabe tiene para ofrecernos. Cada una de ellas me ha dejado asombrado, ya sea por su fluida animación e increíble estética o por la profunda  filosofía con la que se  manejan sus historias. Vale la pena el agregar que el próximo proyecto que tiene en puerta es el anime Blade Runner: Black Lotus, donde fungirá como productor creativo. 

¿Crees que nos faltó mencionar alguna obra? ¿Cual es tú trabajo favorito de Watanabe? Te leemos en los comentarios…

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Crítica y Reseña: Mob Psycho 100

Crítica y Reseña: Mob Psycho 100

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Del afamado creador de One Punch Man, no te puedes perder este anime cargado de: acción psíquica, irreverente comedia y una animación pscodélica como pocas.
  • Título: Mob Psycho 100
  • Director: ONE / Yuzuru Tachikawa
  • Año: 2016 – 2019
  • Reparto: Akio Matsuda, Yuki Nagano, Jun Fukuda, Hirotsugu Ogisu y Yukihiro Ito
  • Temporada: 1 & 2
  • Capítulos: 25
  • Género: Animación, acción y comedia
4/5

Del afamado dibujante ONE (creador de One Punch Man), llega por parte de estudio BONES la historia de Shigeo Kageyama, mejor conocido por todos como Mob, un joven con alucinantes habilidades psíquicas pero con muy poca seguridad sobre sí mismo. Deseando llevar una vida normal y encontrar esa seguridad para sobrellevar el día a día conocerá a Arataka Reigen; un «espiritista» que se dedica a estafar a su clientela, pero que por otro lado le dará a Mob importantes lecciones de vida. 

Después del alucinante trabajo que ONE hizo con One Punch Man, llega un contraste a su trabajo previo. Mob Psycho 100 es sin duda alguna un anime que tiene como foco central el crecimiento personal. Si algo nos deja en claro la historia de Shigeo Kageyama es que no importa cuantas aptitudes y cualidades poseas, siempre existirán otros que serán mejores que tú en cualquier otro ámbito: y eso esta bien.

Entre comedia ácida y devastadores peleas entre psíquicos, Mob ira creciendo con ayuda de sus amigos y su mentor para dejarnos en claro una sola cosa: «Eres el protagonista de tu propia vida». «Motto» que cambiara a todos aquellos con los que nuestro protagonista tiene contacto. Estamos para apoyarnos entre nosotros, dejemos la competencia de lado

Estudio BONES

A diferencia de otros animes que se enfocan en la acción y la comedia, se aprecia bastante el sentir como los personajes van creciendo y madurando a través del reconocimiento del uno con el otro. Tanto Reigen aprende de Mob como este del anterior; es por eso que uno de los puntos mas fuertes de Mob Psycho 100 es el que reconozcamos la diversidad y riqueza que supone nuestra condición humana. 

Rescatando un lado más técnico: la animación es una explosión psicodélica de colores. El dinamismo en el que se nos presenta la historia de Mob hace que muchas veces se compense la trama (la cual a veces se siente algo lenta o con saltos bastante agigantados en cuestión de un par de episodios).

Por último, me gustaría hacer una mención honorifica al personaje de Dimple, un pequeño espíritu que conocerá Mob en sus aventuras; y que a mi parecer es uno de los mejores «comic reliefs» que ha visto  la historia de la animación japonesa. 

Lo mejor🤩: las dosis de irreverente comedia se sienten únicas y frescas. Las escenas de acción frenética están magistralmente animadas (la batalla final fue nominada a los premios Crunchyroll del año pasado).

Lo peor 🙃: a pesar de que el desarrollo de personajes es muy bueno, en la primer temporada, esto sucede muy lento, por lo que en la segunda, este aspecto se siente a veces forzado o avanzando demasiado rápido. 

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Fernando Mondragón

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Reseña y Crítica: Sputnik, mi amor

Reseña y Crítica: Sputnik, mi amor

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La esencia de la soledad y la importancia de las relaciones humanas se encuentran en esta novela del aclamado novelista, Haruki Murakami.

"Sin embargo, la mayoría de las personas de este mundo no parece sentir ese temor, esa incertidumbre. En cuanto tienen oportunidad hablan de sí mismos con una sinceridad pasmosa. Suelen decir frases del tipo: «Yo parezco tonto de tan franco y sincero como soy», o «Soy muy sensible y me manejo muy mal en este mundo», o «Yo le leo el pensamiento a la gente». Pero he visto innumerables veces cómo personas “sensibles” herían sin más los sentimientos ajenos. He visto a personas “francas y sinceras” esgrimir sin darse cuenta las excusas que más les convenían. He visto cómo personas que “le leían el pensamiento a la gente” eran engañadas por los halagos más burdos. Todo ello me lleva a pensar: «¿Qué sabemos, en realidad, de nosotros mismos?».“

-Haruki Murakami.
  • Título:  Sputnik, mi amor
  • Escritor: Haruki Murakami
  • Año de publicación: 1999
  • Páginas: 310
  • Personajes:  «K», Sumire y Myu
  • Editorial: Maxi Tusquets
  • Género: Novela Surrealista
4.5/5

¿De que trata ‘Sputnik, mi amor’?

«Sputnik, mi amor» de Haruki Murakami es una novela con tintes surrealistas que nos narra la historia de «K», un profesor de primaria de Japón que se encuentra sumamente enamorado de su mejor amiga, Sumire. Esta ultima es una joven que sueña con algún día ser una aclamada novelista; en el camino hacía su sueño conocerá a Myu, una exitosa empresaria y enigma andante del que finalmente, Sumire, caerá perdidamente enamorada. Todo se complica un día en el que Sumire desaparece de la faz de la tierra en un viaje a una isla griega.

La triada resultante del fugaz encuentro servirá de contenedor para hablarnos (con toques realistas y otros muy surreales) de la soledad, los sueños, el amor y la importancia de las relaciones humanas

Mi opinión: 

Hace mucho que no leía una novela que lograra impactar en mi persona a tal grado. Creo que todo joven adulto debería leerla y perderse entre sus paginas para identificarse con alguno de los tres protagonistas. A veces realista y a veces onírica, «Sputnik, mi amor» se convierte al pasar de cada hoja en  una especie de oda a todos esos sentimientos que surgen del choque entre seres humanos. 

Para hablarles un poco de esta novela me parece pertinente empezar con lo siguiente: «sputnik» en ruso significa  «compañero de viaje», y es justo esto lo que encuentran nuestros protagonistas al relacionarse entre sí: compañeros de viaje. Estos compañeros de los que nos habla entre líneas la novela suelen ser amigos, amantes o simplemente conocidos. Sea cual sea el grado o etiqueta con la que se le nombre a dicho compañero, el hecho irrefutable es el siguiente (y el cual considero pilar de la obra): todas las personas que conozcas en esta vida te harán finalmente ser quien eres…  ser humano. Esta característica ontológica es lo que hace realmente del libro una obra sublime.

Ahora bien, los protagonistas y el conflicto. Primero tenemos a «K», un profesor que será la voz narrativa de esta novela y nuestro guía en un viaje que tendrá como primer parada la soledad. Esta soledad se verá representada por esa sucesión de sentimientos no correspondidos entre los tres personajes principales; «K» se convierte entonces en esa figura retorica que representa la búsqueda por la identidad, una que anhelamos todos los seres humanos. En segundo lugar tenemos a Sumire, la que representa toda esa vitalidad, excentricidad e inocencia que tenemos todos antes de enfrentarnos al mundo y las personas que viven en este. Por último tenemos a Myu, esa persona «bastante vivida» que vendrá a arrojar valiosas lecciones a los dos más jóvenes; los enigmas de su pasado se convertirán en las respuestas del presente. La desaparición repentina de Sumire representa el conflicto; la catarsis: aquel momento de nuestras vidas donde el fuego forjará el resto de nuestro futuro.

¿Porqué nos sentimos solos estando rodeados de tantas personas?, ¿porqué algo tan idealizado como el amor nos puede destruir?, ¿porqué solemos hacer cosas de las cuales nos arrepentimos? o ¿qué sabemos realmente sobre nosotros mismos?, son solo algunas de las preguntas que resonaron en mi cabeza al terminar las 310 páginas del libro. 

Debo confesar que esta es la primer novela que leo de Haruki Murakami y ahora no puedo imaginar el resto de mi vida sin leer sus demás novelas. Pronto les comentaré como me fue con «Tokio Blues», pero hasta ahora puedo asegurarles que «el sello Murakami» es uno que se traduce en una sola palabra: garantía. 

Haruki Murakami

Considerado por muchos como el escritor japones más importante de nuestros tiempos; Murakami nació el año de 1949 en la ciudad de Kyoto, Japón. Inspirado por la literatura norteamericana de los años 60's-80's comenzó a forjarse en la literatura al traducir obras del inglés al japones. "Tokio Blues" (1987) es la novela que lo hizo despegar y ser aclamado a nivel mundial como uno de los mejores novelistas contemporáneos. Desde entonces no ha dejado de entregar obras aclamadas a nivel mundial como lo son: "Sputnik, mi amor" (1999), "After Dark" (2004) o "1Q84" (2009).

Datos curiosos del libro: 

El libro se menciona en la película «Paris, Je T’aime«, la cual es dirigida por 22 aclamados directores entre los que se encuentra Alfonso Cuarón.

La canción de Weatherday «My Sputnik Sweetheart» es una referencia a la novela.

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Fernando Mondragón

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Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Las mejores películas de Ghibli en Netflix

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¡Ya terminamos de ver todas las películas de Ghibli en Netflix! Aquí te decimos cuales no te puedes perder.

Studio Ghibli es un estudio de animación japonés fundado por el aclamado director Hayao Miyazaki en el año de 1985. A lo largo de 35 años este famoso estudio se ha ganado el corazón no solo de los amantes de la animación japonesa, sino de una gran parte del mundo cinéfilo; tanto oriental como occidental. Sus increíbles historias han sido multipremiadas alrededor del globo y hoy en día puedes disfrutar de 21 títulos que se encuentran en la plataforma de streaming Netflix. Es aquí donde nosotros te recomendamos las que a nuestro parecer son esas 10 películas que no pueden faltar en tu lista de pendientes.

Studio Ghibli

Puedo escuchar el mar 

  • Director: Tomomi Michuzuki
  • Año: 1993
  • Reparto: Nobuo Tomita, Toshihiko Seki, Yōko Sakamoto, Kae Araki y Yuri Amano

Una de las películas mas infravaloradas del estudio, Puedo escuchar el mar nos cuenta la historia de tres jóvenes; Toki Morisaki, un joven estudiante en el instituto Kochi quien aparentemente es de lo más despreocupado y sin intención de ir más allá de si mismo, su mejor amigo, Yutaka Matsuno, quien representa la lealtad y amistad que harán crecer al anterior y Rikako Muto, una joven amante de los deportes que recién ha llegado al instituto y  cuya presencia hará que la vida de estos amigos de un giro inesperado. Una historia que nos presenta una triada perfecta para hablarnos de la amistad, el crecimiento y el amor… una verdadera oda a la juventud que se apoya en el realismo de escenas cotidianas que nos hacen recordar emociones que sin duda alguna todos hemos experimentado

Studio Ghibli

La princesa Mononoke 

  • Director: Hayao Miyazaki
  • Año: 1997
  • Reparto: Yōji Matsuda, Yuriko Ishida, Yūko Tanaka, Kaoru Kobayashi y Tsunehiko Kamijo

Ambientada en el Japón de los años 1336 – 1573 (también conocido como Período Muromachi), esta película nos lleva a un lugar fantástico donde el príncipe Ashitaka se ve involucrado en el conflicto entre humanos y guardianes del bosque, el cual se debe a la explotación desmedida de los recursos naturales. Es en el medio de todo este caos donde conocerá a San (Mononoke), una joven princesa guerrera que vela por el bien de la naturaleza y le inspirara a convertirse en un mediador entre ambos bandos. Una película que nos ayuda a comprender el dolor que ha sentido nuestro planeta desde que se empiezan a conformar las primeras industrias… una búsqueda filosófica de aquel equilibrio tan añorado entre el hombre y la naturaleza, todo un clásico del estudio.

Studio Ghibli

El cuento de la princesa Kaguya

  • Director: Isao Takahata
  • Año: 2013
  • Reparto: Aki Asakura, Kengo Kōra y Takeo Chii
Basada en el antiguo texto «El cortador de bambú«, la cinta que nos brinda Takahata nos narra, con un estilo minimalista, una de las leyendas mas importantes que conforman el folklore japonés. Kaguya,  una pequeña que nace dentro del tallo de un bambú y  es criada por una pareja de campesinos se verá enfrentando las costumbres de un Japón feudal y el final de una época, todo esto mientras crece y va descubriendo poco a poco cual es su objetivo en este mundo. Una historia cíclica llena de tradición, sueños y mitología que muy en su interior sirve como la metáfora de un retorno: un regreso al origen de todo ese imaginario que sirve como cimiento de la cultura japonesa. 
Studio Ghibli

Susurros del corazón

  • Director: Yoshifumi Kondō
  • Año: 1995
  • Reparto: Yōko Honna, Issei Takahashi, Shigeru Muroi, Minami Takayama, Keiju Kobayashi y Mayumi Iizuka

Probablemente una de las películas que mejor plasman el sentir «adolescente», Susurros del corazón es la historia de dos estudiantes de secundaria: Shizuku Tsukishima y Seiji Amasawa. Estos se conocerán bajo una extraña circunstancia que muchos llamaremos destino, y será lo que compartan lo que los llevará a enfrentarse a si mismos, descubriendo así en el proceso que es lo que quieren hacer con su vida. Sin duda alguna uno de los relatos mas hermosos de Ghibli ya que nos narra aquella época en la que dejamos de ser niños y nos damos cuenta de la verdadera complejidad del mundo. Aún por triste que suene esto, la cinta logra inyectarnos esa energía que muchas veces necesitamos para lograr cumplir nuestras metas. El proceso de madurez hecho película

Studio Ghibli

El viaje de Chihiro

  • Director: Hayao Miyazaki
  • Año: 2001
  • Reparto: Rumi Hiiragi, Miyu Irino, Mari Natsuki, Takeshi Naito, Yasuko Sawaguchi y Tsunehiko Kamijō

La piedra angular del estudio se encuentra en esta ganadora al Oscar a mejor película animada del 2001. La bella película que nos entrega Miyazaki tiene como eje a Chihiro, una joven que se ve de repente envuelta en un viaje lejos de casa, sus padres y la seguridad de su hogar. En esta odisea que enfrentará la pequeña protagonista se verá encontrando varios aliados en un mundo de ensueño, de los cuales resalta Haku, un joven envuelto en un halo de misterio; este junto a otros le ayudaran a crecer y hacer frente a los retos que le impiden volver a casa. Plagada de folklore japonés, metáforas ideológicas, criticas sociales y un profundo crecimiento personal, El viaje de Chihiro es por excelencia una de esas historias que nos vuelven a enseñar que lo importante es el viaje y no el destino… porque aunque regresemos a donde mismo, las experiencias y personas que conozcamos nos habrán transformado. 

Studio Ghibli

Porco Rosso

  • Director: Hayao Miyazaki
  • Año: 1992
  • Reparto: Shūichirō Moriyama, Tokiko Kato, Akemi Okamura y Akio Ōtsuka

Ambientada en Italia y el Mar Mediterráneo, Porco Rosso es una cinta cuya trama gira en torno a la aviación y nos cuenta las vivencias de un piloto  que es transformado en un puerco humanoide. Porco vive en una isla desierta que solo deja para rescatar a aquellas víctimas de la piratería aérea. Así es hasta que se ve involucrado en una problemática mucho mayor en la que una joven reparadora de aviones logrará conmover su corazón. Por más sencilla que se lea la sinopsis, esta animación alberga poderosos mensajes como lo son su sutil critica al fascismo y que no debemos juzgar nunca a un libro por muy tosca que parezca su portada

Studio Ghibli

El increíble castillo vagabundo

  • Director: Hayao Miyazaki 
  • Año: 2004
  • Reparto: Chieko Baishō, Takuya Kimura, Akihiro Miwa, Tatsuya Gashūin, Haruko Katō y Ryūnosuke Kamiki

Basada en la novela homónima de Diana Wynne Jones, Miyazaki nos entrega una película  que fue nominada al Oscar a mejor película animada en el 2004. En esta, la historia gira en torno a la joven Sophie que tras recibir una maldición por parte de  la Bruja del Páramo decide dejarlo todo para embarcarse en un peligroso viaje con el objetivo de encontrarse con el poderoso mago Howl, quien vive en su Castillo Ambulante, para pedirle ayuda. Lo que ella no sabe es que será el propio Howl quien necesite de su ayuda en más de un sentido. Si a esto le sumamos una de las mejores bandas sonoras brindadas por el estudio, obtenemos una obra de arte que nos habla de la importancia de las emociones y el poder que alberga la empatía a la hora de confrontar la vida y sus demonios

Studio Ghibli

El recuerdo de Marnie 

  • Director: Hiromasa Yonebayashi
  • Año: 2014
  • Reparto: Sara Takatsuki, Kasumi Arimura, Hana Sugisaki, Hitomi Kuroki y Nanako Matsushima

En esta obra de Hiromasa Yonebayashi basada en la novela «Cuando Marnie estuvo allí» de Joan G. Robinson, podemos encontrar una de las piezas con mayor profundidad de todo Ghibli. Demostrando una vez más que las películas animadas no son solo para niños, El recuerdo de Marnie nos pone en los pies de Anna Sasaki, una chica solitaria y curiosa que vive con sus padres adoptivos hasta que estos deciden enviarla a Hokkaidō (la segunda isla más grande Japón) para quedarse ahí con unos familiares lejanos. Estando ahí,  un día decide explorar una vieja mansión abandonada de los alrededores y se encuentra con una chica rubia misteriosa que sólo ella puede ver: Marnie. Una película que se aleja de la poética convencional del estudio para hablarnos de lo delicada que puede ser la depresión infantil y la fortaleza que podemos encontrar en los lazos humanos.

Studio Ghibli

Recuerdos del ayer

  • Director: Isao Takahata
  • Año: 1991
  • Reparto: Miki Imai, Toshirō Yanagiba y Yōko Honna

En esta ocasión Takahata presenta una historia que nos transporta a aquellos recuerdos de la infancia y lo doloroso que muchas veces supone el proceso de crecer. Centrada en la experiencia personal de Taeko, una joven de 27 años que durante unas vacaciones en el campo se ve invadida por recuerdos de su infancia, Recuerdos del ayer es una sutil y compleja historia que pone a nuestra protagonista en un conflicto entre la forma en que realmente desearía conducir su vida y lo que ha terminado haciendo de acuerdo a como fue educada durante su niñez. Una narración que enfrenta al «ser» con la tradición y distingue de manera magistral al individuo del colectivo.  

Studio Ghibli

La colina de las amapolas

  • Director: Gorō Miyazaki
  • Año: 2011
  • Reparto: Masami Nagasawa, Junichi Okada, Keiko Takeshita, Yuriko Ishida, Jun Fubuki y Shunsuke Kazama

Gorō Miyazaki, hijo del creador del estudio, nos entrega una historia ambientada en el Japón de 1963 donde tenemos como protagonistas a Umi Matsuzaki, una estudiante de secundaria que un día conoce a Shun Kazama, un muchacho miembro del club de periodismo. Ambos se verán con la misión de rescatar el «Quartier Latin», un edificio antiguo que alberga las diferentes asociaciones y grupos de estudiantes y que corre peligro de ser demolido por la renovación de edificios con motivo de los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964. Entre los protagonistas surgirá una relación que englobará un turbio pasado, un difícil presente y la incertidumbre del futuro. La historia moderna de Japón se puede leer entre líneas gracias a las vivencias de sus protagonistas. 

Acabada nuestra lista, ¿cual es tú película favorita de Ghibli?  

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.

Reseña y Crítica: Rebeca

Reseña y Crítica: Rebeca

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Rebeca de Daphne Du Maurier es una novela de suspenso que te mantendrá al filo de cada página.

“Había cesado el encanto; el hechizo se había roto. Volvimos a ser dos mortales, dos personas jugando en la playa...”

-Daphne Du Maurier.
  • Título:  Rebeca
  • Escritor: Daphne Du Maurier
  • Año de publicación: 1938
  • Páginas: 464
  • Personajes: Segunda Señora de Winter, Maximilian de Winter, Señora Danvers, Frank Crawley, Jack Favell y Rebeca . 
  • Editorial: DEBOLSILLO
  • Género: Novela de Misterio y Ficción Gótica
3.5/5

¿De que trata ‘Rebeca’?

«Rebeca» de Daphne du Maurier es una novela con tintes de misterio, romance y un ambiente ficticio de carácter gótico. Esta nos narra la historia de una joven dama de compañía, cuyo nombre nunca conocemos, que por azares del destino se convierte en la segunda señora De Winter. Con un esposo al que apenas conoce y viéndose de repente viviendo en la codiciada y famosa finca llamada Manderley;  la vida de nuestra protagonista da un giro completo, y lo que pareciera en un principio el sueño de cualquier dama de la época se convierte poco a poco en una pesadilla donde el tormentoso recuerdo de Rebeca, la primera señora De Winter, ahoga sin piedad su existencia.

Mi opinión: 

Al filo de cada página; sin duda alguna la novela de Du Maurier logra crear un ambiente de suspenso con una excelente narrativa que nos da pausas en momentos clave y dan paso a esa sensación de tensión que más de una vez encendió mi curiosidad. Las mil interrogantes que acechan a nuestra protagonista de repente se vuelven nuestras junto al sentimiento de impotencia, dependencia y carencia de personalidad que aquejan cada vez más, pagina tras pagina, a esta joven sin nombre propio. 

Una joven dama de compañía se ve ocupando el puesto de «señora» en una de las fincas más famosas de Inglaterra, ese es el preludio que nos regala la autora: el sueño que toda chica aspiraba en aquel entonces. Pero lo que pareciera ser una historia de romance entre nuestra protagonista y el bien acomodado Maximilian De Winter, poco a poco se va desempolvando para mostrarnos un aterrador escenario; Rebeca, la primer «señora» de Manderley,  fallecida en altamar un año atrás, sigue ahí… o al menos su esencia, la cual no deja de atormentar a la joven soñadora desde el día uno en que pisa la finca. La fantasmal presencia de Rebeca toma forma en el personaje de la Señora Danvers, la más antigua ama de llaves de Manderley que alberga una obsesión malsana hacía su antigua señora; ella será la encargada de destruir psicológicamente a la nueva señora De Winter junto al misterioso Jack Favell, cuya relación con Rebeca es un tanto turbia.  Dando contrapeso a esta situación  encontraremos al siempre fiel Frank Crawley, íntimo amigo de Maximilian y administrador de la finca que alberga más secretos de los que uno imagina. 

Es de mi particular interés el encontrar criticas sutiles a temas como lo son la misoginia vivida en la época e incluso tintes de un discurso de clases, como también la puesta en evidencia de los vicios de la clase burguesa. Que una joven dama de compañía solo encuentre sentido a su vida a través del amor de un hombre adinerado no es ninguna coincidencia en la novela; por otro lado el que una chica de clase media baja viva a la sombra de una señora nacida en cuna de oro, como lo es Rebeca, y que anhele con todas sus fuerzas el parecerse más a ella, tampoco lo es. La crítica, desde mi interpretación, radica en la frustración que transmite Du Maurier a través de cada párrafo: ¡no hay nada que desees más en la novela que ver a esta joven chica amarse a sí misma y superar todos esos prejuicios que se le han impuesto!

Del romance al suspenso total, sin duda alguna la autora logra construir una novela que mezcla géneros y nos entrega un puñado de secretos que como lectores debemos resolver: ¿quién es Rebeca realmente?, ¿qué papel juega  Maximilian de Winter en todo este asunto?, ¿qué secretos se guardan bajo llave en Manderley? 

Una novela que ahora entiendo porque sigue vigente a pesar del transcurso de los años. Mi único «pero» radica en la extensión (creo hay un par de partes que bien pudieron ser omitidas) pero aún así recomiendo ampliamente el adentrarse en esos pasillos de Manderley donde veremos una y otra vez escrito entre paredes el nombre de Rebeca… y muy en el fondo una chica muerta de miedo que ni siquiera puede decirnos su nombre.

Daphne Du Maurier

Daphne du Maurier (13 de mayo de 1907 - 19 de abril de 1989), fue una escritora británica famosa por novelas como Rebeca (1938) y Mi Prima Raquel (1951), ambas llevadas al cine. Escribió muchos relatos en los que refleja mujeres traumatizadas o perversas; historias de crueldad que hacen una crítica discreta a la misoginia de la época.

Datos curiosos del libro: 

La novela  fue un éxito inmediato, vendió casi 3 millones de copias entre 1938 y 1965 y cuenta con una adaptación cinematográfica con el mismo nombre a cargo del maestro del suspenso, Alfred Hitchcock. 

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Fernando Mondragón

Fernando Mondragón

Comunicólogo y fotógrafo. Amante de cualquier expresión artística con una debilidad particular por el cine y la literatura.